Category Archives: Storia dei Film

바르샤바 동물원의 여자

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니키 카로 감독

폴란드 1939. 잔인한 나치의 침공은 유럽 전역에 죽음과 파괴를 가져오고 바르샤바의 도시는 반복적으로 폭격한다. 안토니나 Żabińska 남편, 박사 Żabinski, 도시의 동물원을 지시. 국가는 나치에 의해 침략 때, 안토니나와 얀은 제국에 의해 부과 된 새로운 동물 학자의 명령을 강제로, 루츠 헥. 곧 그들은 저항에 가입하고 정리합니다, 자신의 삶과 자신의 아이들의 생명을 위험, 바르샤바 게토에 갇혀 많은 사람들을 저장. 동물원 자체가 숨어 될 것입니다, 인간을 보호하는 데 사용되는 은폐 케이지. 필름은 신규 의해 기초 다이앤 에커, 수필가, 미국의 작가이자 시인. 그의 기사에 등장 뉴욕 타임즈, 뉴요커, 지리적 국가, 그는 수많은 상을 수상했다, 'L 포함오리온 책 포상 바로이 소설. 이 책의 원본은 실제의 일기입니다 안토니나 Żabińska.

페미닌 한 영화, 이성과 감정 사이

그것은 확실히 말할 수 없다 바르샤바 동물원의 여자 영화는 바로 수행되지 않습니다. 그것은이다, 의심 할 여지없이, 매우 중요한 일에 대해 이야기: 그는 구체적으로 폴란드에서 나치의 침공을 우리에게하고 사람들이 반응하는 방법, 더욱 더, 자신과 문화적 개방성을 방어. 이 실화에서, 동물원에 연결, 소설의 출구까지 에커 아무도 아무것도 옆에 알지도하고 확실히 볼만한 가치가있는 영화, 하지만 불행하게도, 문제 및 송장 수준에서 수 있었던 것과 비교, 독창성 정말 유죄. Il film funziona, 그는 속도를 가지고, 그것은 좋은 샷을 확실히, 세련된 사진을 충실, 조금 ' "글램"비록, 의 안드리 파 레크, 하지만 ... 우리가 볼 것으로 예상 컷에서 보통 미국 영화도 고전하고 평면이다. 배우가 있던 모든 설득력 스테인 이 부분에 적합, 뿐만 아니라 아주 좋은으로. 그러나, 최종 결과는 약한 때로는 지나치게 수사적이다, 악센트가없는. 매우 설득력 Shira Haas, 우아한 흥미로운 얼굴, Urzula 옷에. 아마도 감독, 그는 큰 생산의 자질을 가지고 있었다, 그는 고전에있을 거절, 너무 불균형없이 좋은 일을 구축, 하지만 주제는 매우 강력했다, 자체, 내 관점에서 이는 훨씬 더 가치가, 연구와 서술 식의 심화 측면에서 가장 인기있는. Ad ogni modo, la 오목 그것은 실제 사회의 스포트라이트 이야기를 가지고 그것의 중요한 시도를 계속: 일, 그 부정 할 수없는 전문성 부여, 당신은 확실히 더 혁신적이고 대담한 비전을 함께 할 수있는. 더빙은 불행하게도 못생긴, 자주 발생, 그리고 많은의 해석을 처벌 제시카 채 스테인.

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주인공, 오스카 두 번 지명, 그것은 그의 아내 여자의 역할에 종사, 어머니, 노동자와 많은 그, 차 세계 대전 중, 그것은 주인공이되었다. 니키 카로 (웨일 라이더, 북한 나라 – Josey 역사), 그는 쓴 필름을 지시 안젤라 노동자 에 의해 책에서 적응 다이앤 에커, 이탈리아에 게시 스 펄링 & 구리 다음에서 31 ottobre 차례로 일기에서 촬영 안토니나 Żabińska. 모든 여성의 정교한 핸드 오버, dunque, 천천히 이상 개발이 영화에 대한 10 나이, 그 나치의 억압에 대항 폴란드 저항의 큰 역사적 맥락에 지사. 감독에 그는 길의 이야기를 개발하기 위해 특히 관심 <<나타나다, 전쟁의 중간에, 싸움의 크기는 일상 생활과 결혼 생활을 유지하기>>. 여자로, 삶의 창조자와 모든 형태의 그것에 민감, 안토니아는 인간에게 동물 심리학의 그의 타고난 이해를 적용, 자신의 기분을 해소하기 위해 노력하고, 음악을 통해 예를 들어,. <<이 이야기는 모든 형태의 삶을 기념>> , 감독은 말한다, 그리고 문자로 재생 스테인 그것은 저항하는 모든 살아있는 존재의 정신에 가치를 제공, 여자로, 치열한 두려움과 파괴 시대. 안토니아는 사람 선한 것을에 연결된 상태를 유지하기 위해 싸우고 있었다: 손님의 정신을 보존하고 무엇이 우리를 인간으로 만드는합니다. 기본이되는 질문, 그 이야기에서 지속적으로 나온다 (하지만 불행히도 항상 영화에서), è: <<진짜 짐승은 누구?!>>. 동물원에서의 생활은 히틀러의 패배로 이끄는 중심 사상을 강조: 당신은 자연을 제어 할 수 없습니다. 세계는 계속된다, 자연은 살아. 맨 아래에있는 동물의 수명은 독재에 저항.

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이스라엘의 상태는 영광했다 Żabiński 사랑하는 동물원에 피난처를 제공 한 내용은 "국가 중에서 의인"을 언급하는 것은 이상합니다 300 사람들, 그들을 안전하게 유지하고 그들이 홀로 코스트 생존하기. 영화 대본은 Zabinski의 자녀들의 협력으로 완성, 아직 살아: 스케치테레사, 이야기의 주인공.

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이것은 홀로 코스트의 이야기, 때문에 사실, 각각은 동일한 개인이 다른 경험. 전쟁 마음 지적에서 켤 수있는 사람 즉, 군인. 그 안토니나 그것은 더 내장입니다, 연민과 삶의 방어로 만든, 이는 출산과 함께 절정, 전쟁 중. 의 전투 빌어 먹을 그것은 자연에 대한 인간의 오히려이었다: 동물 학자 마음에 동물을했다, 그러나 그는 또한 자신의 유전 적 실험을 취할 준비가, 시도 신화 짐승을 만들 수 있습니다; 논란이 그림 그의, 인간을 포함 된 아리아 인종의 아이디어의 나치 후원자, 뿐만 아니라 동물, 선택적 사육 내지. 지옥 매우 '집착했다시간, 한 번 독일의 숲을 채워 거대한 들소.

언급 한 바와 같이, 한마디로, 매우 흥미로운 이야기를 기대, 오히려 양식 정식.

이탈리아어 영화관에서 출력 16 novembre 2017

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La forma della voce, di Naoko Yamada

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만화에서 적응 자동 음성, 의 Yoshitoki Ōima, 합계 만화에 의해 이탈리아에서 출판, 감독이 용감하고 시적 장편 영화 Naoko Yamada, 몇 일본어 감독 중 한, 그녀는 진미 이야기와 쇼코 Nishimiya의 어려움을 존중, 어린 소녀 피어에 의해 난청을 앓고 및 왕따, 다른 동료의 차례 피해자. 대 중반에서, 그것이 수반하는 모든 실존 ​​적 문제에 관여, 젊은 주인공이 궁금해, 다양한 수준에서, 이 가능한지, 회사에서, 변경하고 사람들이 당신을 속성 오래된 고정 관념 또는 라벨 제거, 어떤에 의해 사회 학적, 심리적 분석의 세부 사항을 쫓는 것은 사소한 또는 명백한 의미.
그는 지난 시즌의 가장 높은 수익률을 자랑하는 일본 영화의 하나로서 자리 매김하는 데있다, 애니메이션이 성공적에서 발표되었다 미래 영화제 2017.

하드 뭔가 알 수 있습니다

그것은 필연적으로 수반 진정한 장애의 이야기와 경험하려면, 종종 우리가 전달되어야합니다, 그것은 상상하기 어렵 기 때문에 ... 당신은 그들을 알고해야, 사랑과 인생 경험의 미래를 향해 모두 같은 돌출 꿈꾸는듯한 눈 그 달콤한 소녀, 또는 그 사람의 분노가 성장, 그들은 다른 사람들과 함께 플레이하고 싶은 때문에, 그리고 그룹의 일부를 느낀다. Tutti, 어쩐지, 우리는이 단계를 건너, 우리의 십대 년 동안, 그러나 많은 불행한 사람들의 경우 관점의 부족이다, 참을 수없는 미래와 우울의 아이디어를 만들려면. 없다는 강한 느낌이있다, 불가피, "다른 사람들처럼"그리고이 도로는 일의 다수에 대한 차단, 독립이 아닌 경우. 그리고 그것은 자유의 부족이 독특한 느낌을 얘기하기 어렵다, 오는 절망, 그 절망을 실현, 또한 생각하는 우리를 원하지 않는, 당신은 말을 다른 사람이 항상 당연한 줄 것이다 것들의 다수를 할 수 없어.

더 - 폼의 엔트리

가장 잘 알려진 저자의 독특한 스타일 등으로 Makoto ShinkaiHayao Miyazaki, La forma della voce 그는 자신의 수렴과 조건에있을 것이다이 청소년의 흥미 진진한 이야기를 할 수 있었다, 자신의 문제와 자기 지식. 쇼코 Nishimiya는 노트북을 사용하여 통신 강제로 달콤한 귀머거리 소녀. Shoya 이시다 친구와 함께 대회에 불안하고 항상 활성화 자식. 두 가지의 생활은 세계의 가장 간단하고 확실한 방법으로 교차: Shoya는 쇼코의 장애의 재미를 만들어 괴롭힘 중 하나입니다, 단지 아이들이 할 수있는 참을 수없는 고문. 그러나 운명은 그것이있다, 그는 성장하고 십대되었다 일단, Shoya 왕따의 직접 고문 고통. 무슨 뜻인지 마침내 실현, 소년은 자신의 실수 쇼코와 함께 시간을 보내고 알고 학습을 보충하기 위해 노력할 것입니다. 영화의 중심 주제 그러므로 청소년들 사이에서 발생할 수있는 관계의 복잡성, 종종 갈등, 뿐만 아니라 큰 이해. 그의 경멸의 대상이었던 여자와 우정에서 올 수있는 단맛과 성장과 그에 따른 아름다움을 통해 소년의 진가 성숙과 함께 애니메이션 거래. 소설은 이상을 판매했다 700.000 일본, 복사, 영화는 중요하고 즐거운: 스크립트는 또한 가장 심리적 뉘앙스 친밀하고 해독을 설명 매우 세련되고 매우 중대한 사안입니다. 이미지와 샷 기쁘게하는, 유체는 착색한다, 원본과 흥미로운 전망. 아주 아름다운 사진, 표현 - 극적인 함수 빛과 색 온도의 강렬한 시적 스터디. 사운드 트랙은 적절하고 방해하지 않습니다. 그것은 공감과 서스펜스의 감각을 생성. 모든 문자는 필수 조심스럽게 구성되어. Unico neo: 전형적인 일본어 이야기 레지스터의 아마 보통의 중복 효과, 항상 멜로 드라마에 다가갑니다 '조금 강조하는 극적인, 그러나 많은 이전의 다른 영화에 비해, 그는 너무 불균형 무관.

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터치에 대한 놀라운 영화, 관심과 쓰기. 사회학, 특히 원본이 아님, 하지만 중요한. 에서 어린이와 청소년을위한 메이크업 참조, 특히 폭력과 학대에 반영, 이 비활성화 할 것이 무엇을 의미하는지에 대한.

이 영화는 이탈리아어 영화관에있을 것입니다 만 24 과 25 ottobre:

www.nexodigital.it

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120 분당 비트

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Regia di Robin Campillo

Nella Parigi dei primi anni Novanta, il giovane Nathan decide di unirsi agli attivisti di Act Up, associazione pronta a tutto pur di rompere il silenzio generale sull’epidemia di AIDS che sta mietendo innumerevoli vittime. Anche grazie a spettacolari azioni di protesta, Act Up guadagna crescente visibilità, mentre Nathan inizia una relazione con Sean, uno dei militanti più radicali del movimento.

Act Up-Paris è nata il 26 giugno del 1989 in occasione dell’allora imminente parata del Gay Pride, durante la quale 15 attivisti misero in scena il primo “die-in”, restando distesi per la strada senza dire una parola. Sulle loro magliette era stampata l’equazione: Silenzio=Morte. Un triangolo rosa, marchio imposto agli omosessuali deportati nei campi di concentramento durante la Seconda Guerra Mondiale, ma capovolto, simboleggiava la volontà di opporsi all’epidemia. Le origini di Act Up sono legate alla rabbia verso l’establishment medico, politico e religioso, la cui passività e i cui pregiudizi sono stati la base della gestione disastrosa dell’epidemia. L’obiettivo principale era quello di mostrare a tutti la malattia, smettendo di utilizzare immagini sfuocate, testimonianze anonime e rappresentazioni incorporee.

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Fino ad oggi i membri di Act Up-Paris hanno combattuto la guerra all’AIDS su tutti i fronti, elaborando strategie per conquistare aree di conoscenza classicamente appannaggio dei soli medici. La società in generale andava mobilitata ed istruita, le informazioni andavano organizzate. La disobbedienza civile e le azioni dimostrative condotte ai limiti della legalità erano necessarie per far sentire la propria voce, ma Act Up ha sempre rifiutato la violenza fisica. Una delle particolarità del gruppo è appunto quella di occupare degli spazi pubblici non solo con le parole, attraverso le immagini o i cartelli, ma utilizzando i propri corpi, che diventano vere e proprie armi di “rappresentazione di massa”. L’urto simbolico di queste dimostrazioni, così come l’uso di falso sangue o di sperma, o addirittura delle ceneri dei membri uccisi dalla malattia (un vero e proprio atto politico), è stata la risposta di Act Up all’aggressività quotidiana del potere dell’establishment.

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La profonda violenza del silenzio

120 분당 비트, film tanto lirico, quanto incantevole dal punto di vista dell’immagine, è una profonda dichiarazione d’amore alla vita. Una potente e disarmante storia d’amore, sia di coppia, che collettivo. Un racconto che fa capire quanto la comunità gay non sia diversa da quella etereo e che fa tornare alla mente cos’è l’attivismo politico, il vivere in e per la comunità, tutti legati da un unico inevitabile destino, tutti coinquilini nella stessa casa. Riemerge l’immagine sessantottina del “funerale politico”, che ci sbatte in faccia il fatto che nasciamo, viviamo e moriamo in un’inevitabile comunità.

Accolto come un capolavoro all’ultimo festival di Cannes, dove ha conquistato il Grand Prix, il Premio Fipresci e la Queer Palm, 120 분당 비트 si candida a diventare uno dei grandi eventi cinematografici della stagione, ed è un film importante, indispensabile, necessario. Una storia che commuove profondamente: potente, dolcissima e violenta, valorizzata da un’incredibile recitazione in primo e primissimo piano e dalla fotografia tagliente, contemporanea, ma anche estremamente poetica, 의 Jeanne Lapoirie. Non si può dimenticare l’immagine della Senna insanguinata e la polvere delle ceneri che diventa quasi neve, trasportandoci continuamente tra le due dimensioni dell’essere umano: quella più alta, filosofica e morale, e quella animale, goliardica, più naturale. 120 분당 비트 è un film profondamente lirico… intriso di poesia in ogni sillaba, in ogni fotogramma, nell’espressione dolce e convincente di ciascun attore. La recitazione e la regia sono intense, calamitanti e passionali. La colonna sonora pulsante e caratterizzante di Arnaud Rebotini ci riporta a quegli anni e crea fratture temporali nelle quali si incastrano perfettamente stati d’animo, angosce e speranze.

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Philippe Mangeot, ex membro di Act Up, ha collaborato alla sceneggiatura, talmente polifonica ed intensa nelle discussioni e per le tematiche che riporta, in maniera estremamente verosimile, da far dimenticare, quasi sempre, il confine tra realtà e finzione. Gli attori, in particolare Nahuel Pérez Biscayart nella parte di Sean, Arnaud Valois nella parte di Nathan e Adèle Haelen in quella di Sophie, hanno recitato così bene e le loro parole sono così credibili, che viene il dubbio che facciano parte dell’associazione, trascinando lo spettatore continuamente verso la dimensione del documentario, ma in forma molto alta e appunto lirica.

120 분당 비트 ci ricorda che la vita è violenta, ma di una violenza meravigliosa. Che vale la pena di essere vissuta, combattuta, sofferta e sentita, fino a quando non diventeremo tutti polvere. Ci ricorda (e lo fa con importanza, ed eleganza) che la vita è tutto ciò che abbiamo.

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<<L’Aids è una vera e propria guerra che ha causato 42 milioni di morti>>, ha dichiarato Robin Campillo, regista in corsa per l’Oscar: <<Voglio che lo vedano tutti, perché la classe politica non ha fatto nulla>>.

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LEGGI LA RECENSIONE SU STORIA DEI FILM

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Regia di Michel Hazanavicius

Il ritratto affettuoso e ironico di una delle figure più importanti del cinema francese e mondiale, quella di Jean-Luc Godard, vista attraverso gli occhi dell’allora giovanissima moglie Anne Wiazemsky. Il Sessantotto, il maoismo, le proteste contro la guerra in Vietnam, ma soprattutto la storia d’amore appassionata e complicata, romantica e anticonformista, tra Anne e Jean-Luc, che hanno i volti intensi di Stacy MartinLouis Garrel. Il film è tratto dal libro Un an apré, della stessa Wiazemsky.

Una meta-dissacrazione che funziona benissimo

Dal Concorso del Festival di Cannes arriva in sala il film del regista Premio Oscar per The Artist, Michel Hazanavicius, che in qualche maniera torna alle origini del suo successo, mettendo nuovamente in scena un ibrido fra la parodia e l’omaggio affezionato. Un film davvero divertente, quest’ultimo, che in barba a qualunque sacralità cinefila, smonta e rimonta, sviscerandolo perfettamente, il personaggio di Jean-Luc Godard e riportando alla mente, per chi l’ha molto amato (come la sottoscritta), tutta la sua ironia, il suo intelletto brillante e debordante, il suo essere rivoluzionario in maniera ostentata, inesauribile, e molto spesso davvero molesta.

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La storia comincia nel 1967, quando Godard è il regista più adorato della sua generazione: un genio ribelle reduce dalle riprese de La cinese, 와 Anne Wiazemsky, donna più giovane di vent’anni di cui si innamora e che sposa. Sono i tempi del massimo impegno politico, in prima linea con gli studenti e gli operai nelle sassaiole del maggio parigino. L’artista impegnato si sporca le mani, rinnega l’icona pubblica, non disdegna qualche molotov da tirare sulla polizia, prendendosi una breve vacanza in Costa Azzurra solo per forzare la cancellazione, insieme a Truffaut, Lelouch e altri colleghi, dell’edizione 1968 del Festival di Cannes.

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Godard liquida tutto il cinema come borghese inginocchiamento al capitale dei grandi produttori, rinnega anche i suoi capolavori, 같은 Fino all’ultimo respiro Il disprezzo, finendo per insultare tutto e tutti, incluso il suo amico Bernardo Bertolucci. L’unica soluzione per lui è imporsi il collettivismo decisionale, applicando il maoismo alle troupe cinematografiche attraverso l’esperienza produttiva del gruppo Dziga Vertov. Anche il suo film, La cinese, lo deprime; accolto male dai critici e persino dall’ambasciata cinese, sembra piacere solo a qualche fondamentalista marxista leninista, ma in fondo tutti lo fermano per citargli i film del suo passato più narrativo e “tradizionale”. <<Quando tornerà a fare film come quelli?>>, gli chiede un militante in marcia con lui per le vie di Parigi… Inseguendo gli umili e gli operai, Godard si preoccupa di rendersi sempre meno comprensibile da loro, rifugiandosi nell’eremo dell’ermetismo ostico e della sperimentazione rivoluzionaria, mentre il suo matrimonio naufraga inesorabilmente.

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Hazanavicius dipinge Godard/Garrel come una maschera ironica, con occhiali regolarmente schiacciati durante gli scontri e alle prese con delle scarpe poco adatte all’azione, che lo portano a poco militanti lavande ristoratrici una volta tornato a casa. A livello sia di sceneggiatura, che più propriamente registico, attraverso la citazione di quasi tutti gli stilemi formali del cinema di Godard (dall’utilizzo della scrittura e della sovrascrittura, dei sottotesti di pensiero, alla grafica inglobata nell’inquadratura, ai giochi di parole, allo sguardo diretto in macchina ad intervenire sui dialoghi dei personaggi stessi), il regista si spiega e si svela, 에 Le Redoutable: si smonta e denuncia in prima persona, soprattutto all’inizio, quando l’anarchia lo porta verso una leggerezza che presto perderà, divertito nel giocare con il suo mito e ossessionato dal rendersi antipatico e irritante, rinnegando il suo spazio iconico. Un Louis Garrel trasfigurato, mimetico, ed eccezionale nella parte del regista più che trentenne, evita totalmente il rischio della macchietta e ci restituisce invece il Godard vitale che abbiamo amato e che ricordiamo, con tutto il suo disprezzo per l’attore (un burattino disposto a darsi anche dello stupido, sotto richiesta del regista), per la borghesia, per gli ambienti dai quali egli stesso proveniva e anche per l’industria cinematografica, primaria carnefice del suo stesso prodotto culturale.

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Il film diverte, è dissacrante, resta giustamente in superficie, senza spingere troppo in basso la figura di Jean-Luc, e ritraendolo come un “maschio medio” che cerca una donna oggetto spacciandola per musa, ma che invece non problematizza la propria personalità debordante e il suo rapporto idiosincratico con la società. Il ritratto di un autarchico insomma, che come spirito ricorda parecchio il primo Nanni Moretti, ma che qui, al di là di ogni logica, vorrebbe calarsi nella comunità, pur restando inesorabilmente se stesso. Gli adoratori del Grande Svizzero reagiranno malissimo, troveranno risibili gli omaggi formali “godardiani” e gli occhiolini autoreferenziali al pubblico: <<Sono solo un attore pessimo che interpreta Godard>>, ma chi di Godard rispetta invece lo spirito e l’evoluzione del suo pensiero, vedrà con gioia riprodursi, in maniera metacinematografica, quella frattura nella comunicazione dell’occidente capitalista, della quale con grande lungimiranza lui fu protagonista.

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La fotografia di Guillaume Schiffman dialoga benissimo con la regia, con la scenografia e con le dovute citazioni di quegli anni e di tutti i film di Godard, valorizzando gli intesi primi piani di un Louis Garrel che finalmente emerge, in tutta la sua bravura e capacità mimetica (anche nella parlata, con gli stessi difetti di pronuncia del regista): eccellente attore purtroppo spesso confinato in ruoli da commedia d’amore. Bellissima e perfetta per la parte, la magnetica Stacy Martin.

Un film insomma spassoso, irriverente, cattivo: nello spirito del regista che fu, e da rivedere all’infinito, così come tutti i film di Godard.

Una pellicola senza compromessi, che si può solo amare, o odiare.

LA RECENSIONE SU STORIA DEI FILM

숨겨진 사물의 색

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Regia di Silvio Soldini

Teo (Adriano Giannini) è un uomo in fuga. Dal suo passato, dalla famiglia di origine, dai letti delle donne con cui passa la notte e da cui scivola fuori alle prime luci del giorno: dalle responsabilità. Il lavoro è l’unica cosa che veramente ama, fa il “creativo” per un’agenzia pubblicitaria e non stacca mai, tablet e cellulari lo tengono in perenne e compulsiva connessione con il mondo. Emma (Valeria Golino) ha perso la vista a sedici anni, ma non ha lasciato che la sua vita precipitasse nel buio. O meglio, l’ha riacchiappata al volo, ha fatto a pugni con il suo handicap e l’ha accettato con la consapevolezza che ogni giorno è una battaglia. Fa l’osteopata e gira per la città col suo bastone bianco, autonoma e decisa. Si è da poco separata dal marito e Teo, brillante e scanzonato, sembra la persona giusta con cui concedersi una distrazione. Per Teo invece, tutto nasce per gioco e per scommessa, Emma è diversa da tutte le donne incontrate finora, ed è attratto e impaurito dal suo mondo. Una ventata di leggerezza li sorprende, ma quel galleggiare in allegria bruscamente finisce. Ognuno torna alla propria vita, ma niente sarà più come prima.

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Raccontare il coraggio di vivere

Prodotta da Lionello CerriRAI Cinema, l’ultima fatica di Silvio Soldini non tradisce il tocco poetico ed intimista del regista. Qui la storia d’amore, scritta assieme a Davide LantieriDoriana Leondeff, diventa infatti pretesto per alleggerire l’analisi di qualcosa di molto più complesso e di difficile da raccontare, vale a dire la diversità. La fatica di vivere, ogni giorno, di chi non ha le abilità di chi invece le dà per scontate e che in ogni momento riscopre, inventa e costruisce, con molta più consapevolezza della nostra, il suo stare al mondo. Una Valeria Golino in grandissima forma recita ad alto livello un’Emma che appare più vera del vero e che impressiona, per il suo realismo, per il suo sguardo perso, e per la rotondità e lo spessore del suo personaggio. Un vicenda lineare e semplice, inverosimilmente precipitosa e con quella rotta leggera e positiva che tanto piace a Soldini, ma che sa raccontare, tra l’ottima performance degli attori e le immagini curate e ricercatesoprattutto a livello coloristico – 의 Matteo Cocco, tutto il dramma, ma anche la gioia di vivere, di personaggi apparentemente di contorno, come l’amica veneta di Emma e la sua alunna cieca, che invece a tratti leggeri dipingono una realtà che si è scelto di raccontare così com’è: brutta e bella allo stesso tempo, come le cose, come la vita. Un film insomma piacevole e per nulla grave, ma che non tradisce minimamente il messaggio che vuole trasmettere e che intrattenendo, soprattutto per chi ama le storie d’amore a lieto fine, racconta con eleganza e tatto la possibilità di trovare la propria strada, nella vita, qualunque cosa accada, con forza e determinazione, ed imparando ad amare ciò che si ha.

Vengono in mente film come Le chiavi di casa, 의 Gianni Amelio, o Dietro la maschera (Mask), diretto da Peter Bogdanovich, ma non è la tragedia in questo caso a prendere il sopravvento, bensì la voglia di vivere.

Un film importante, ma non pesante. Comunque necessario. Presentato alla 74° Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, fuori concorso.