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이유 중 하나는 문구로 갈 수있는 일

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이유 중 하나는 문구로 갈 수있는 일

GEC (gestire la cartoleria) parla de la Cartofumetteria di Leda.

La Cartofumetteria di Leda La Cartofumetteria di Leda La Cartofumetteria di Leda

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바르샤바 동물원의 여자

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니키 카로 감독

폴란드 1939. 잔인한 나치의 침공은 유럽 전역에 죽음과 파괴를 가져오고 바르샤바의 도시는 반복적으로 폭격한다. 안토니나 Żabińska 남편, 박사 Żabinski, 도시의 동물원을 지시. 국가는 나치에 의해 침략 때, 안토니나와 얀은 제국에 의해 부과 된 새로운 동물 학자의 명령을 강제로, 루츠 헥. 곧 그들은 저항에 가입하고 정리합니다, 자신의 삶과 자신의 아이들의 생명을 위험, 바르샤바 게토에 갇혀 많은 사람들을 저장. 동물원 자체가 숨어 될 것입니다, 인간을 보호하는 데 사용되는 은폐 케이지. 필름은 신규 의해 기초 다이앤 에커, 수필가, 미국의 작가이자 시인. 그의 기사에 등장 뉴욕 타임즈, 뉴요커, 지리적 국가, 그는 수많은 상을 수상했다, 'L 포함오리온 책 포상 바로이 소설. 이 책의 원본은 실제의 일기입니다 안토니나 Żabińska.

페미닌 한 영화, 이성과 감정 사이

그것은 확실히 말할 수 없다 바르샤바 동물원의 여자 영화는 바로 수행되지 않습니다. 그것은이다, 의심 할 여지없이, 매우 중요한 일에 대해 이야기: 그는 구체적으로 폴란드에서 나치의 침공을 우리에게하고 사람들이 반응하는 방법, 더욱 더, 자신과 문화적 개방성을 방어. 이 실화에서, 동물원에 연결, 소설의 출구까지 에커 아무도 아무것도 옆에 알지도하고 확실히 볼만한 가치가있는 영화, 하지만 불행하게도, 문제 및 송장 수준에서 수 있었던 것과 비교, 독창성 정말 유죄. Il film funziona, 그는 속도를 가지고, 그것은 좋은 샷을 확실히, 세련된 사진을 충실, 조금 ' "글램"비록, 의 안드리 파 레크, 하지만 ... 우리가 볼 것으로 예상 컷에서 보통 미국 영화도 고전하고 평면이다. 배우가 있던 모든 설득력 스테인 이 부분에 적합, 뿐만 아니라 아주 좋은으로. 그러나, 최종 결과는 약한 때로는 지나치게 수사적이다, 악센트가없는. 매우 설득력 Shira Haas, 우아한 흥미로운 얼굴, Urzula 옷에. 아마도 감독, 그는 큰 생산의 자질을 가지고 있었다, 그는 고전에있을 거절, 너무 불균형없이 좋은 일을 구축, 하지만 주제는 매우 강력했다, 자체, 내 관점에서 이는 훨씬 더 가치가, 연구와 서술 식의 심화 측면에서 가장 인기있는. Ad ogni modo, la 오목 그것은 실제 사회의 스포트라이트 이야기를 가지고 그것의 중요한 시도를 계속: 일, 그 부정 할 수없는 전문성 부여, 당신은 확실히 더 혁신적이고 대담한 비전을 함께 할 수있는. 더빙은 불행하게도 못생긴, 자주 발생, 그리고 많은의 해석을 처벌 제시카 채 스테인.

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주인공, 오스카 두 번 지명, 그것은 그의 아내 여자의 역할에 종사, 어머니, 노동자와 많은 그, 차 세계 대전 중, 그것은 주인공이되었다. 니키 카로 (웨일 라이더, 북한 나라 – Josey 역사), 그는 쓴 필름을 지시 안젤라 노동자 에 의해 책에서 적응 다이앤 에커, 이탈리아에 게시 스 펄링 & 구리 다음에서 31 ottobre 차례로 일기에서 촬영 안토니나 Żabińska. 모든 여성의 정교한 핸드 오버, dunque, 천천히 이상 개발이 영화에 대한 10 나이, 그 나치의 억압에 대항 폴란드 저항의 큰 역사적 맥락에 지사. 감독에 그는 길의 이야기를 개발하기 위해 특히 관심 <<나타나다, 전쟁의 중간에, 싸움의 크기는 일상 생활과 결혼 생활을 유지하기>>. 여자로, 삶의 창조자와 모든 형태의 그것에 민감, 안토니아는 인간에게 동물 심리학의 그의 타고난 이해를 적용, 자신의 기분을 해소하기 위해 노력하고, 음악을 통해 예를 들어,. <<이 이야기는 모든 형태의 삶을 기념>> , 감독은 말한다, 그리고 문자로 재생 스테인 그것은 저항하는 모든 살아있는 존재의 정신에 가치를 제공, 여자로, 치열한 두려움과 파괴 시대. 안토니아는 사람 선한 것을에 연결된 상태를 유지하기 위해 싸우고 있었다: 손님의 정신을 보존하고 무엇이 우리를 인간으로 만드는합니다. 기본이되는 질문, 그 이야기에서 지속적으로 나온다 (하지만 불행히도 항상 영화에서), è: <<진짜 짐승은 누구?!>>. 동물원에서의 생활은 히틀러의 패배로 이끄는 중심 사상을 강조: 당신은 자연을 제어 할 수 없습니다. 세계는 계속된다, 자연은 살아. 맨 아래에있는 동물의 수명은 독재에 저항.

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이스라엘의 상태는 영광했다 Żabiński 사랑하는 동물원에 피난처를 제공 한 내용은 "국가 중에서 의인"을 언급하는 것은 이상합니다 300 사람들, 그들을 안전하게 유지하고 그들이 홀로 코스트 생존하기. 영화 대본은 Zabinski의 자녀들의 협력으로 완성, 아직 살아: 스케치테레사, 이야기의 주인공.

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이것은 홀로 코스트의 이야기, 때문에 사실, 각각은 동일한 개인이 다른 경험. 전쟁 마음 지적에서 켤 수있는 사람 즉, 군인. 그 안토니나 그것은 더 내장입니다, 연민과 삶의 방어로 만든, 이는 출산과 함께 절정, 전쟁 중. 의 전투 빌어 먹을 그것은 자연에 대한 인간의 오히려이었다: 동물 학자 마음에 동물을했다, 그러나 그는 또한 자신의 유전 적 실험을 취할 준비가, 시도 신화 짐승을 만들 수 있습니다; 논란이 그림 그의, 인간을 포함 된 아리아 인종의 아이디어의 나치 후원자, 뿐만 아니라 동물, 선택적 사육 내지. 지옥 매우 '집착했다시간, 한 번 독일의 숲을 채워 거대한 들소.

언급 한 바와 같이, 한마디로, 매우 흥미로운 이야기를 기대, 오히려 양식 정식.

이탈리아어 영화관에서 출력 16 novembre 2017

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La forma della voce, di Naoko Yamada

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만화에서 적응 자동 음성, 의 Yoshitoki Ōima, 합계 만화에 의해 이탈리아에서 출판, 감독이 용감하고 시적 장편 영화 Naoko Yamada, 몇 일본어 감독 중 한, 그녀는 진미 이야기와 쇼코 Nishimiya의 어려움을 존중, 어린 소녀 피어에 의해 난청을 앓고 및 왕따, 다른 동료의 차례 피해자. 대 중반에서, 그것이 수반하는 모든 실존 ​​적 문제에 관여, 젊은 주인공이 궁금해, 다양한 수준에서, 이 가능한지, 회사에서, 변경하고 사람들이 당신을 속성 오래된 고정 관념 또는 라벨 제거, 어떤에 의해 사회 학적, 심리적 분석의 세부 사항을 쫓는 것은 사소한 또는 명백한 의미.
그는 지난 시즌의 가장 높은 수익률을 자랑하는 일본 영화의 하나로서 자리 매김하는 데있다, 애니메이션이 성공적에서 발표되었다 미래 영화제 2017.

하드 뭔가 알 수 있습니다

그것은 필연적으로 수반 진정한 장애의 이야기와 경험하려면, 종종 우리가 전달되어야합니다, 그것은 상상하기 어렵 기 때문에 ... 당신은 그들을 알고해야, 사랑과 인생 경험의 미래를 향해 모두 같은 돌출 꿈꾸는듯한 눈 그 달콤한 소녀, 또는 그 사람의 분노가 성장, 그들은 다른 사람들과 함께 플레이하고 싶은 때문에, 그리고 그룹의 일부를 느낀다. Tutti, 어쩐지, 우리는이 단계를 건너, 우리의 십대 년 동안, 그러나 많은 불행한 사람들의 경우 관점의 부족이다, 참을 수없는 미래와 우울의 아이디어를 만들려면. 없다는 강한 느낌이있다, 불가피, "다른 사람들처럼"그리고이 도로는 일의 다수에 대한 차단, 독립이 아닌 경우. 그리고 그것은 자유의 부족이 독특한 느낌을 얘기하기 어렵다, 오는 절망, 그 절망을 실현, 또한 생각하는 우리를 원하지 않는, 당신은 말을 다른 사람이 항상 당연한 줄 것이다 것들의 다수를 할 수 없어.

더 - 폼의 엔트리

가장 잘 알려진 저자의 독특한 스타일 등으로 Makoto ShinkaiHayao Miyazaki, La forma della voce 그는 자신의 수렴과 조건에있을 것이다이 청소년의 흥미 진진한 이야기를 할 수 있었다, 자신의 문제와 자기 지식. 쇼코 Nishimiya는 노트북을 사용하여 통신 강제로 달콤한 귀머거리 소녀. Shoya 이시다 친구와 함께 대회에 불안하고 항상 활성화 자식. 두 가지의 생활은 세계의 가장 간단하고 확실한 방법으로 교차: Shoya는 쇼코의 장애의 재미를 만들어 괴롭힘 중 하나입니다, 단지 아이들이 할 수있는 참을 수없는 고문. 그러나 운명은 그것이있다, 그는 성장하고 십대되었다 일단, Shoya 왕따의 직접 고문 고통. 무슨 뜻인지 마침내 실현, 소년은 자신의 실수 쇼코와 함께 시간을 보내고 알고 학습을 보충하기 위해 노력할 것입니다. 영화의 중심 주제 그러므로 청소년들 사이에서 발생할 수있는 관계의 복잡성, 종종 갈등, 뿐만 아니라 큰 이해. 그의 경멸의 대상이었던 여자와 우정에서 올 수있는 단맛과 성장과 그에 따른 아름다움을 통해 소년의 진가 성숙과 함께 애니메이션 거래. 소설은 이상을 판매했다 700.000 일본, 복사, 영화는 중요하고 즐거운: 스크립트는 또한 가장 심리적 뉘앙스 친밀하고 해독을 설명 매우 세련되고 매우 중대한 사안입니다. 이미지와 샷 기쁘게하는, 유체는 착색한다, 원본과 흥미로운 전망. 아주 아름다운 사진, 표현 - 극적인 함수 빛과 색 온도의 강렬한 시적 스터디. 사운드 트랙은 적절하고 방해하지 않습니다. 그것은 공감과 서스펜스의 감각을 생성. 모든 문자는 필수 조심스럽게 구성되어. Unico neo: 전형적인 일본어 이야기 레지스터의 아마 보통의 중복 효과, 항상 멜로 드라마에 다가갑니다 '조금 강조하는 극적인, 그러나 많은 이전의 다른 영화에 비해, 그는 너무 불균형 무관.

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터치에 대한 놀라운 영화, 관심과 쓰기. 사회학, 특히 원본이 아님, 하지만 중요한. 에서 어린이와 청소년을위한 메이크업 참조, 특히 폭력과 학대에 반영, 이 비활성화 할 것이 무엇을 의미하는지에 대한.

이 영화는 이탈리아어 영화관에있을 것입니다 만 24 과 25 ottobre:

www.nexodigital.it

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120 분당 비트

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로빈 캄 필로 감독

90 년대 초반의 파리에서, 나단에 젊은 활동가들에 가입하기로 결정 법까지, 준비 협회는 수많은 희생자를 주장하고 에이즈에 대한 일반 침묵을 깨고 아무것도 할. 아름다운 항의 조치 덕분에, 법까지 증가 가시성을 확보, 네이 숀와 관계를 시작하면서, 무장 세력의 가장 급진적 인 운동의 하나.

법 업 파리 그는에 태어났다 26 유월 1989 그 후에 다가오는 게이 프라이드 퍼레이드에 즈음하여, 하는 동안 15 활동가들은 첫 번째 무대 "다이에", 한마디없이 길거리에 누워 남아. 그들의 셔츠에 방정식을 인쇄했다: 침묵 = 죽음. 분홍색 삼각형, 동성애자에 부과 브랜드 제 2 차 세계 대전 동안 강제 수용소로 추방, 하지만 거꾸로, 그는 전염병을 반대하는 의지를 상징. 이 법 업 기원은 의료계를 향해 분노에 연결되어 있습니다, 정치와 종교, 누구의 책임과 그 편견 비참한 전염병 관리의 기초이었다. 주요 목적은 모든 사람에게 질병을 표시했다, 퍼지 사진을 사용 중단, 익명의 증언 및 무형 표현.

연극의 프로그램

의 지금까지 회원 법 업 파리 에이즈 전쟁은 모든 전선에서 싸웠다, 전략을 개발하는 것은 지식의 영역은 전통적으로 만 의사의 보존 얻기 위해. 일반 사회 동원 및 교육되었다, 정보가 조직되었다. 실시 시민 불복종 시위는 법이 자신의 목소리를 만들 필요가 있었다 스커트, ma 법까지 그는 항상 신체적 폭력을 거부했다. 그룹의 특색 중 하나는 단어뿐만 아니라 공공 장소를 차지 정확하게, 이미지 나 징후를 통해, 하지만 자신의 몸을 사용하여, "대량 표현"의 실제 무기를이되는. 이 시위의 상징적 인 영향, 뿐만 아니라 가짜 혈액이나 정액의 사용으로, 또는 회원도 재 질병에 의해 사망 (진정한 정치적 행위), 그것은의 응답이었다 법까지 설립 전력의 일상 침략.

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폭력의 깊은 침묵

120 분당 비트, 서정적 인 영화 모두, 얼마나 사랑스러운 그림 관점에서, 그것은 삶에 사랑의 심오한 선언입니다. 강력하고 무장 해제 사랑 이야기, 토크 모두, 집합. 우리가 게이 커뮤니티가 미묘한 다르지 않다 이해하게하고 그 어떤 정치적 행동을 떠올리게 이야기, 과 지역 사회를 위해 살, 모두 하나의 피할 수없는 운명으로 연결, 같은 집에있는 모든 룸메이트. Sessantottino "정치적 장례식"의 이미지를 재 - 나온다, 거기에 우리가 태어난 사실의 얼굴에 대하여, 우리는 살면서 피할 수없는 사회에서 죽어.

지난 칸 영화제에서 걸작으로 인사, 이 원 위치를 그랑프리 오토 레이스, il 국제 영화 평론가 협회 상 그것은이다 호모 팜, 120 분당 비트 계절의 가장 큰 영화 이벤트 중 하나가 설정되어, 및 주요 영화입니다, 없어서는 안될, 필요한. 깊이 이동 이야기: 강한, 달콤한 폭력, 첫째 놀라운 연기, 첫 번째 순서와 날카로운 촬영으로 강화, 현대의, 뿐만 아니라, 매우 시적, 의 잔느 라쁘 와리. 당신은 거의 눈이있는 피 묻은 센의 이미지와 유골의 먼지를 잊을 수 없다, 인간의 두 측정 사이에 연속적으로 반송: 최고, 철학적, 도덕적, 동물, goliardica, 자연. 120 분당 비트 그는 근본적으로 서정적 인 영화 ... 모든 음절에시를 주입하다, 각 프레임, 각 배우의 달콤하고 설득력있는 표현. 연기와 연출은 강렬, calamitanti과 열정. 사운드 트랙을 맥동과 특징 아르노 레보 티니 그것은 오랜 세월 동안 우리를 다시 받아 완벽하게 분위기에 맞게하는 시간 골절을 만듭니다, 희망과 불안.

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필립 Mangeot, 전 멤버 법까지, 그는 스크립트에 협력, 그래서 화음과 강렬한 토론과 주제보고, 매우 가능성에, 압도하는, 거의 항상, 현실과 허구 사이의 경계. 배우, 특별히 나우 엘 페레즈 Biscayart 숀의 일부, 아르노 발 루아 나단의 부분 및 아델 Haelen 소피의에서, 그들은 너무 잘 연주하고 그들의 말은 그렇게 믿을 수 있습니다, 즉, 이들이 연관의 일부이다 의심, 다큐멘터리의 차원으로 지속적으로 시청자를 끌어, 그러나 매우 높은 모양과 정확하게 가사.

120 분당 비트 그것은 생명이 폭력적인 것을 우리에게 상기시켜, 하지만 놀라운 폭력. 무엇 살고 가치가있다, 싸웠다, 고통스러운 느낌, 그것까지의 모든 먼지진다. 그것은 우리를 생각 나게한다 (그것은 중요성을 수행, 과 우아함) 인생은 우리가 가진 전부입니다.

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<<AIDS가 발생했습니다 진짜 전쟁이다 42 만 명 사망>>, 그는 진술 로빈 캄 필로, 오스카의 실행에 이사: <<난 당신이 모든 것을보고 싶어, 정치 클래스는 아무것도하지 않았기 때문에>>.

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영화의 역사에 대한 리뷰 읽기

La Scala è tornata ai suoi fasti

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Una regia assolutamente cinematografica, all’Opera

Almeno due parole sul TamerlanoDavide Livermore vanno spese. Mercoledì 4 ottobre abbiamo assistito alla settima ed ultima rappresentazione di questa famosissima opera, inclusa nella 428° stagione del Teatro alla Scala di Milano. Ed è stata un’esperienza davvero unica: uno spettacolo bellissimo e curato nel dettaglio, in maniera maniacale da ogni punto di vista, così com’è sempre stato, almeno fino a qualche anno fa, per il famosissimo teatro che la scorsa stagione dava segni di stanchezza e di difficoltà, soprattutto dal punto di vista scenotecnico.

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Questo Tamerlano, opera in tre atti tratta dal libretto di Nicola Francesco HaymAgostino Piovene, sulla musica barocca e penetrante di Georg Friedrich Händel, della durata di quasi cinque ore, aveva una regia fresca e giovane, sorprendente e cinematografica. Tralasciando solo per un attimo l’orchestra diretta egregiamente da Diego Fasolis, che ha lavorato con ibarocchistidella Rsi-Radiotelevisione Svizzera, lo spettacolo stupisce per la sua grandiosità ed originalità. Assolutamente eccezionale Lucia Cirillo, che in un’unica giornata ha imparato la parte cantata di Marianne Crebassa, nei panni di Irene, sostituita nella messa in scena dall’assistente alla regia, che ha dato vita ad un interessantedoppiaggio sul palco”, che nulla ha sottratto al normale svolgimento dello spettacolo.

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Scenografie mastodontiche, curate, fastose, e per nulla banali, ricostruivano un ambiente da Russia primi del Novecento che contrastava in maniera funzionale con la vicenda ambientata invece nel 1400, accompagnate da costumi tra il Charleston e la Prima Guerra Mondiale. I vagoni di un treno quasi sempre in movimento occupavano orizzontalmente tutto il palcoscenico, sul quale ogni elemento si è mosso con ritmo e fluidità, favorito da una regia dinamica, arricchita dai sorprendenti video di Videomakers D-Wok, che ci trascinavano dagli interni agli esterni, dalle passioni metaforizzate visivamente dei personaggi, agli ambienti ricostruiti nella maniera più verosimile possibile.

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Una regia fresca e dinamica, che ha saputo giocare molto e bene soprattutto sul Rewind spazio-temporale (che nell’opera io non ho mai visto usare), gestito in maniera egregia facendo spostare avanti e indietro le comparse, spesso coinvolte in movimenti sensuali, contemporanei e significativi, e che a tratti ci sono sembrate il doppio, il triplo di quel che erano, tanto i loro movimenti e le loro posizioni erano accurate e studiate nel minimo dettaglio, al fine di arricchire di significato la messa in scena.

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Qualcosa di assolutamente cinematografico in questo spettacolo dall’esecuzione musicale e canora classica e perfetta. Un’interazione funzionante tra storico e contemporaneo, che si sono reciprocamente arricchiti. Memorabili, se non incantevoli, alcune scene, come il lento allontanarsi di tutto il palco (e dunque metaforicamente della vita) da Asteria, la scena dello stupro di gruppo, i divertenti inserti della partenza periodica del treno, resi attraverso la corsa all’indietro delle comparse. Ma anche la possibilità, anch’essa cinematografica, di vedere contemporaneamente interno ed esterno del treno, con grande fluidità. O l’espressione visiva della rabbia di Andronico, che fa crollare la facciata del palazzo con pugni di rabbia. Per non dimenticare il finale, sotto la neve, mentre il gelo penetra nelle ossa dei personaggi, all’interno del grande salone, esausti e intimamente prosciugati dai cambiamenti della Storia.

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Uno spettacolo davvero incredibile, così come dovrebbero essere tutti quelli della Scala. Costumi eccezionali (의 Marianna Fracasso), scenografie grandiose e fini (dello stesso Livermore e di Giò Forma) e le incantevoli, particolarissime voci di Franco FagioliBejun Mehta, quasi ipnotici nelle loro fioriture vocali e a tratti simili ad usignoli. Una regia che ha saputo decisamente valorizzare una trama passionale ed avvincente, ma che di per sé avrebbe un finale scontato e quasi assurdo.

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Il crollo dell’Impero Ottomano e della Russia Zarista, dunque la morte dell’aristocrazia in funzione del predominio del popolo, con tutti i suoi pro e contro, rivivono il questOpera del 1724 che si aggiunge alle molte nate dal Seicento in poi attorno alla figura del famoso conquistatore centro-asiatico Tīmūr Barlas (in chagatai تیمور, temur, “ferro”, anche Timur-e lang, in lingua farsi تیمور لنگ, ossia Timurlo zoppo”), conosciuto in Occidente come Tamerlano (o Tamerlan, o anche Tamburlaine), che fu condottiero e generale turco-mongolo, fondatore dell’Impero Timuride, protagonista in Asia Centrale e nella Persia orientale tra il 1370 e il 1407, predecessore della dinastia Mogol in India.

Uno spettacolo semplicemente bellissimo.

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