Category Archives: Storia dei Film

La dama del zoológico de Varsovia

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Dirigida por Niki Caro

Polonia 1939. La brutal invasión nazi trae la muerte y la devastación en toda Europa y la ciudad de Varsovia es bombardeado en varias ocasiones. Antonina Żabińska y el marido, El Dr. Zabinski, dirigir el zoológico de la ciudad. Cuando el país es invadido por los nazis, Antonina y Jan se ven obligados a recibir órdenes de la nueva zoólogo impuesta por Reich, Lutz Heck. Pronto se unirán a la resistencia y organizar, poner en riesgo sus vidas y las vidas de sus propios hijos, salvando muchas personas confinadas en el gueto de Varsovia. El zoo en sí servirá como un escondite, ocultando jaulas utilizadas para proteger a los seres humanos. La película está basada en la novela de Diane Ackerman, ensayista, escritor y poeta. Sus artículos han aparecido en New York Times, El neoyorquino, National Geographic, y ha ganado numerosos premios, incluyendo l 'Premio Orion libro precisamente por esta novela. Fuente del libro son los diarios de la verdadera Antonina Żabińska.

Una película femenino, entre la razón y el sentimiento

Ciertamente, no se puede decir que La dama del zoológico de Varsovia No es una película bien hecho. es, indudablemente, y habla de algo muy importante: Él nos dice en detalle la invasión nazi en Polonia y cómo la gente reaccionó, cada vez más, para defenderse y su apertura cultural. En esta historia real, vinculada al zoológico, hasta la salida de la novela Ackerman nadie sabía casi nada y entonces es sin duda una película que vale la pena ver, aunque por desgracia, en comparación con lo que podría haber estado en cuestión y el nivel de factura, realmente culpable de originalidad. Il film funziona, ha ritmo, y es sin duda disparo, enriquecida por la fotografía refinada, aunque un poco ' 'glamour', de andrij Parekh, pero es demasiado clásica y plana ... es la película estadounidense habitual de la corte que esperamos ver. Los actores eran todos convincente y Chastain Es perfecto para el papel, así como muy buena. Sin embargo, el resultado final es débil e incluso a veces excesivamente retórica, sin acentos. muy convincente Shira Haas, con su cara elegante e interesante, en paños Urzula. Tal vez el director, que tenía los ingredientes de una gran producción, Se negó a estar en el clásico, la construcción de algo bueno sin demasiado desequilibrado, pero el tema era tan poderoso, de por sí, que desde mi punto de vista merecen mucho más, en términos de estudio y profundización de una fórmula narrativa más buscados. Ad ogni modo, la Caro Continúa su importante intento de llevar las historias de punto de mira de la comunidad de bienes: cosa, dada su innegable profesionalidad, Por supuesto que puede ver con visiones más innovadoras y audaces. El doblaje es por desgracia fea, como sucede a menudo, y mucho penaliza la interpretación de Jessica Chastain.

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La protagonista, nominado dos veces al Oscar, Se dedica en el papel de una mujer que era su esposa, madre, trabajador y que para muchos, durante la Primera Guerra Mundial, se convirtió en una heroína. Niki Caro (Whale Rider, En tierra de hombres – Historia Josey), Dirige la película escrita por Angela Workman y adaptado del libro de Diane Ackerman, publicado en Italia por Sperling & cobre a partir del próximo 31 Octubre ya su vez tomado de los diarios Antonina Żabińska. Un traspaso elaborada de toda la hembra, dunque, para esta película desarrollado lentamente durante 10 edad, que las sucursales en el amplio contexto histórico de la resistencia polaca contra la opresión nazi. En el director que estaba interesado en particular para desarrollar la historia de la forma <<surgir, en medio de una guerra, el tamaño de la lucha para preservar la vida diaria y el matrimonio>>. Como mujer, creador de la vida y sensibles a ella en todas sus formas, Antonina aplica a los seres humanos su comprensión innata de la psicología animal, tratando de aliviar su estado de ánimo, por ejemplo a través de la música. <<Esta historia celebra la vida en todas sus formas>> , dice el director, y el personaje interpretado por Chastain Se da valor al espíritu de todos los seres vivos resistir, como una mujer, en una feroz era de miedo y destrucción. Antonina estaba luchando para mantenerse unido a lo que es bueno en las personas: para preservar el espíritu de sus huéspedes y lo que nos hace humanos. La pregunta subyacente, que emerge continuamente de la historia (pero por desgracia no siempre de la película), es: <<Quienes son los animales reales?!>>. La vida en el zoológico pone de relieve la idea central que llevó a la derrota de Hitler: no se puede tener control sobre la naturaleza. El mundo sigue su curso, La naturaleza sobrevive. La vida animal en la parte inferior se resiste a cualquier dictadura.

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El estado de Israel ha honrado la Zabinski mencionarlos "Justo entre las Naciones" por haber dado refugio en el zoológico amado a lo largo 300 personas, mantenerlos seguros y hacerlos sobrevivir el Holocausto. El guión se completó con la colaboración de los hijos de Zabinski, aún con vida: bosquejo y Teresa, protagonistas de la historia.

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Esta es la historia de un Holocausto, porque de hecho, cada experimentado el mismo individuo es diferente. la Guerra ene es el de un hombre que se aparta de mente intelectual, un soldado. la de Antonina Es más visceral, hecha de la compasión y la defensa de la vida, que culmina con el parto, durante la guerra. La batalla de Infierno era más bien que del hombre contra la naturaleza: el zoólogo tenía los animales para el corazón, pero también estaba listo para tomar en sus experimentos genéticos, en un intento de crear bestias mitológicas; una controvertida figura su, partidario nazi de la idea de una raza aria que incluía los seres humanos, sino también a los animales, a través de la reproducción selectiva. Diablos estaba muy obsesionado por 'hora, bisonte poderosa que una vez que rellena los bosques de Alemania.

Como se ha mencionado, en resumen, le espera una historia muy interesante, sino más bien una forma canónica.

De la producción en las salas italianas 16 Noviembre 2017

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La forma della voce, di Naoko Yamada

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Adaptado de la manga Una voz silenciosa, de Yoshitoki Oima, publicado en Italia por Stat Comics, esta película valiente y poético dirigido por Naoko Yamada, uno de los pocos directores japoneses, Ella le dice con delicadeza y respeto a las dificultades de Shoko Nishimiya, una chica joven que sufre de sordera y acosado por un compañero, a su vez víctima de otros compañeros. En mitad de la adolescencia, involucrado en todos los problemas existenciales que ello conlleva, los jóvenes protagonistas se preguntan, en varios niveles, si es posible, en las empresas, cambiar y deshacerse de los viejos estereotipos o etiquetas que la gente le atribuyen, persiguiendo los detalles del análisis sociológico y psicológico de ningún modo trivial o evidente.
Él es haber establecido como uno de la película japonesa más taquillera de la temporada pasada, el anime se presentó con éxito en Future Film Festival 2017.

Algo difícil saber

Para hablar de verdad de la discapacidad y la experiencia que inevitablemente conlleva, a menudo tenemos que ser pasado, porque es difícil imaginar ... Tienes que tener a conocer, esas chicas dulces ojos de ensueño que se proyectan como todos hacia un futuro de amor y experiencias de vida, o esos tipos cuando la ira crece, porque les gustaría jugar con los demás, y sentirse parte del grupo. Tutti, de alguna manera, Cruzamos esta etapa, durante nuestros años de adolescencia, pero en el caso de muchas personas desafortunadas es la falta de perspectiva, para hacer que la idea de un futuro insoportable y sombrío. Hay una fuerte sensación de no estar, inevitablemente, "Al igual que los otros" y de ser el camino bloqueado por una multitud de cosas, si no la independencia. Y es difícil de contar esta clara sensación de falta de libertad, la desesperación que viene, darse cuenta de que desesperada, Tampoco nos queriendo pensar, No se puede simplemente decir y hacer multitud de cosas que los demás siempre dará por sentado.

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Con el estilo distintivo de los autores más conocidos como Makoto Shinkai y Hayao Miyazaki, La forma della voce Ha sido capaz de contar la historia apasionante de dos adolescentes que tendrán a un acuerdo con sus convergencias, sus problemas y autoconocimiento. Shoko Nishimiya es una niña sorda dulce que se ve obligado a comunicarse usando un cuaderno. Shoya Ishida es un niño inquieto y siempre activo en las competiciones con los amigos. Las vidas de los dos se cruzan en la forma más simple y obvia del mundo: Shoya es uno de los matones que se burlan de la desventaja de Shoko, tortura insoportable, ya que sólo los niños pueden hacer. Pero el destino lo tiene que, una vez que creció y se convirtió en adolescente, Shoya sufren en carne propia la tortura de la intimidación. Al darse cuenta por fin, lo que significa, el niño va a tratar de compensar sus errores que pasan tiempo con Shoko y aprender a conocer. Por lo tanto, el tema central de la película es la complejidad de la relación que puede surgir entre los adolescentes, menudo conflictiva, sino también de gran comprensión. Las ofertas del animado con el dulzor y la maduración autenticidad de un niño a través del crecimiento y la consecuente belleza que pueden venir de amistad con la mujer que era el objeto de su desprecio. La novela ha vendido más de 700.000 copias en Japón, y la película es importante y agradable: el guión es muy refinada y tan atroz también describe los matices psicológicos más íntima e indescifrable. La imagen y los disparos son agradables, es de color de fluidos, con vistas originales e interesantes. Muy hermosa fotografía, con un estudio intenso y poético de la luz y la temperatura de color en función expresiva-dramática. La banda sonora es apropiado y no intrusivo. Se crea empatía y sentido del suspenso. Todos los personajes son esenciales y cuidadosamente construida. El único inconveniente: Quizás el efecto redundante habitual de un registro narrativo típicamente japonesa, siempre un poco 'rayando en el melodrama y dramático para enfatizar, pero en comparación con muchas otras películas anteriores, No tiene nada demasiado desequilibrado.

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Una película sorprendente para el tacto, la atención y la escritura. sociológico, no especialmente original, pero importante. De maquillaje ver a los niños y jóvenes, para reflexionar sobre la intimidación y el abuso y, especialmente,, sobre lo que significa estar deshabilitado.

La película estará en cines italianos solamente 24 y 25 Octubre:

www.nexodigital.it

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120 latidos por minuto

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Dirigida por Robin Campillo

En el París de los años noventa, Nathan decide unirse a los activistas jóvenes a Hacer de las suyas, Asociación dispuesto a todo para romper el silencio general sobre la epidemia de SIDA que se está cobrando innumerables víctimas. Gracias a las acciones de protesta espectaculares, Hacer de las suyas ganando cada vez mayor visibilidad, mientras que Nathan comienza una relación con Sean, uno de los movimientos más radical de militantes.

Act Up-París Nació el 26 junio 1989 con motivo de la entonces próximas desfile del orgullo gay, durante el cual 15 activistas llevaron a cabo la primera "Die-in", siendo tirado en la calle sin una palabra. En sus camisetas se imprimieron la ecuación: Silencio = Muerte. Un triángulo rosa, marca impuesta a los homosexuales deportados a campos de concentración durante la Segunda Guerra Mundial, pero al revés, Él simboliza la voluntad de oponerse a la epidemia. Los orígenes de ACT UP están vinculados a la ira hacia el establecimiento médico, política y religiosa, cuya responsabilidad y cuyos prejuicios fueron la base de la gestión desastrosa epidemia. El objetivo principal era mostrar a todos la enfermedad, dejar de utilizar imágenes borrosas, testimonios anónimos y representaciones incorpóreas.

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Hasta el momento, los miembros de Act Up-París SIDA guerra luchó en todos los frentes, el desarrollo de estrategias para obtener áreas de conocimiento clásicamente preservan de los médicos a solas. La sociedad en general se movilizó y educada, Se organizaron información. La desobediencia civil y las manifestaciones realizado bordearon la ley eran necesarios para hacer oír su voz, ma Hacer de las suyas Él siempre ha negado la violencia física. Una de las peculiaridades del grupo es precisamente para ocupar el espacio público no sólo con palabras, a través de imágenes o signos, pero usando sus cuerpos, que se convierten en verdaderas armas de "representación de masas". El impacto simbólico de estas manifestaciones, así como el uso de sangre falsa o esperma, o incluso las cenizas de los miembros murieron por la enfermedad (un verdadero acto político), Fue la respuesta de Hacer de las suyas la agresión diaria del poder establecimiento.

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El profundo silencio de la violencia

120 latidos por minuto, tanto película lírica, lo bonito de imagen desde el punto de vista, Es una profunda declaración de amor a la vida. Una historia de amor potente y desarmar, tanto par, colectivamente. Una historia que nos da a entender lo que la comunidad gay no es diferente de lo etéreo y que trae a la mente lo que el activismo político, vivir en y para la comunidad, todo ello unido por un solo destino inevitable, todos los compañeros en la misma casa. Sessantottino re-emerge la imagen de "entierro político", no contra la cara del hecho de que hemos nacido, vivimos y morimos en una comunidad inevitable.

Saludado como una obra maestra en el último festival de Cannes, donde obtuvo el Gran Premio, la Premio FIPRESCI que es Queer palma, 120 latidos por minuto Se va a convertir en uno de los eventos cinematográficos más importantes de la temporada, y es una gran película, indispensable, necesario. Una historia que conmovió: potente, dulce y violenta, acompañada por una actuación increíble en primer lugar, y la primera orden y afilada-fotografía, contemporáneo, pero también muy poética, de Jeanne Lapoirie. No se puede olvidar la imagen del Sena con sangre y el polvo de la ceniza que es casi la nieve, transportar continuamente entre las dos dimensiones del ser humano: el más alto, filosóficas y morales, y animal, Goliardica, más natural. 120 latidos por minuto Él es una película profundamente lírica ... impregnada de poesía en cada sílaba, en cada trama, expresión dulce y convincente de cada actor. La actuación y la dirección son intensos, calamitanti y apasionado. La banda de sonido pulsante y con el Arnaud Rebotini Esto nos lleva de vuelta a esos años y crea fracturas temporales en las que se ajustan perfectamente a los estados de ánimo, esperanzas y ansiedades.

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Philippe Mangeot, ex miembro Hacer de las suyas, Colaboró ​​en el guión, discusiones por lo polifónicos e intensos y los informes temáticos, en un tiempo extremadamente probable, eclipsar, casi siempre, la línea entre la realidad y la ficción. los actores, en particular Nahuel Pérez Biscayart en la parte de Sean, Arnaud Valois en la parte de Nathan y Adele Haelen en el de Sophie, Ellos han jugado tan bien y sus palabras son tan creíble, esa es la duda de que son parte de la asociación, arrastrando el espectador continuamente hacia la dimensión del documental, pero en muy alta forma y precisión lírica.

120 latidos por minuto Nos recuerda que la vida es violenta, sino una maravillosa violencia. Lo que vale la pena vivir, luchado, dolorosa y sintió, hasta que todo se convierte en polvo. nos recuerda (y lo hace con la importancia, y elegancia) que la vida es todo lo que tenemos.

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<<El SIDA es una verdadera guerra que ha causado 42 millón de muertes>>, declaró Robin Campillo, el director de la carrera por el Oscar: <<Quiero que vea que todos, debido a que la clase política no ha hecho nada>>.

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LEER REVISIÓN EN LOS ANTECEDENTES DE LA PELÍCULA

la formidable (formidable – mi Godard)

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Dirigida por Michel Hazanavicius

El retrato afectuoso e irónico de una de las figuras más importantes del cine francés y el mundo, para Jean-Luc Godard, visto a través de los ojos de la entonces joven esposa Anne Wiazemsky. Sesenta y ocho, il maoism, las protestas contra la guerra en Vietnam, pero sobre todo la historia de amor apasionado y complicado, romántica y poco convencional, entre Anne y Jean-Luc, que se enfrenta a una intensa Stacy Martin y Louis Garrel. La película es una adaptación del libro Un año Apre, lo mismo Wiazemsky.

Un meta-profanación que funciona bien

De la competencia del Festival de Cannes llega a la sala del Oscar a director de cine El artista, Michel Hazanavicius, que de alguna manera volver a las raíces de su éxito, puesta en escena de nuevo un híbrido entre la parodia y homenaje aficionado. Una película muy divertida, este último, que a pesar de cualquier sagrado moviegoer, desmontado y vuelto a montar, sviscerandolo perfectamente, el carácter de Jean-Luc Godard y trayendo a la mente, para aquellos que han amado mucho (come la sottoscritta), toda su ironía, su brillante intelecto y desbordante, su ser revolucionaria ostentosamente, inagotable, y muy a menudo realmente acosa.

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La historia comienza en 1967, cuando Godard es el más querido de su director generación: un genio rebelde fresco de filmación el chino, con Anne Wiazemsky, mujer más joven de veinte años se enamora y se casa. Estos son los momentos de mayor compromiso político, en la primera línea con los estudiantes y trabajadores de lanzamiento de piedras en París en mayo. El artista comprometido se ensucia las manos, niega el icono pública, No le importa algunos molotov arriba sobre la policía, tomar unas cortas vacaciones en la Riviera francesa sólo para forzar la eliminación, junto con Truffaut, Lelouch y otros colegas, edición 1968 del Festival de Cannes.

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Godard líquido alrededor del cine como burguesa arrodillados en la capital de los grandes productores, También niega sus obras maestras, venir jadeante y desprecio, y terminar insultando a todos y todo, incluyendo a su amigo Bernardo Bertolucci. La única solución es que le imponga la decisión colectivismo, aplicar el maoísmo a los equipos de filmación a través de la experiencia productiva del grupo dziga Vertov. Incluso sus películas, el chino, lo deprime; mal recibida por los críticos e incluso por la Embajada de China, parece que sólo unos pocos fundamentalista marxista leninista, pero básicamente todas las paradas con el fin de citar las películas de su pasado más narrativo y "tradicional". <<Cuando vuelve a hacer películas como las?>>, Le pide a un militante marchando con él a través de las calles de París ... Chasing los humildes y los trabajadores, Godard Él se refiere a ser cada vez menos comprensible de ellos, refugiándose en el experimento difícil y revolucionaria hermético ermita, mientras que su matrimonio destrozado inexorablemente.

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Hazanavicius Godard pinta / Garrel como una máscara irónica, gafas normales con aplastado durante los enfrentamientos y el bit con los zapatos tomaron medidas adecuadas, que le llevó a pequeños militantes lavandas refrescante después de volver a casa. Tanto en la escritura de guiones, el cual dirigir más adecuadamente, con citas de casi todos los estilos formales de Godard (el uso de la escritura y sobrescribir, los subtextos de pensamiento, Gráficos incrustados en el marco, los juegos de palabras, la mirada directa a la cámara de intervenir en los diálogos de los personajes mismos), explica el director y revela, en la Redoumesa: Se desmonta y queja en persona, sobre todo al principio, cuando la anarquía lo lleva a una ligereza que pronto perderá, diversión en jugar con su ídolo y obsesionarse desagradable e irritante, negando su espacio icónica. una Louis Garrel transfigurado, mimético, y en circulación en el director de treinta, totalmente evita el riesgo de caricatura y nos da lugar Godard vital que nos encantó y que recordamos, con todo su desprecio por el actor (un títere dispuesto a renunciar incluso los estúpidos, a petición del director), la burguesía, para entornos de donde vino, y también para la industria del cine, ejecutor principal de su propio producto cultural.

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La película divertida, que está profanando, permanece justamente en la superficie, sin empujar demasiado bajo la figura de Juan Lucas, y que lo señala como un "hombre promedio" que busca una mujer musa objeto disfraz, pero eso no problematizar su desbordante personalidad y la relación peculiar con la empresa. El retrato de un corto autárquica, que como un espíritu bastante recuerda la primera Nanni Moretti, pero aquí, más allá de toda razón, A él le gustaría sumergirse en la comunidad, sin dejar de ser inexorablemente a sí mismo. Los adoradores de los Grandes suiza reaccionan mal, encontrar Laughable los tributos formales "de Godard" y auto-teasers al público: <<Sólo soy un mal actor que interpreta a Godard>>, sino que en su lugar Godard respeta el espíritu y la evolución de su pensamiento, felizmente reproducirse, en un metacinematografica manera, la brecha en la comunicación Occidente capitalista, de la que fue protagonista con gran previsión.

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La fotografía de Guillaume Schiffman se comunica bien con la dirección, con escenografía y con citas apropiadas de esos años y todas las películas de Godard, la valoración de los primeros pisos previstos de una Louis Garrel que finalmente emerge, en todas sus habilidades y capacidades de camuflaje (También en el discurso, con el mismo director defectos del habla): excelente actor, por desgracia, a menudo se limita a los papeles de comedia de amor. Hermoso y perfecto para la parte, la magnética Stacy Martin.

A cortometrajes hilarante, irreverente, travieso: en el espíritu del director que estaba, y revisar sin fin, así como todas las películas de Godard.

Una película sin compromisos, Sólo se ama, o el odio.

REVIEW sobre la historia de FILM

Il colore nascosto delle cose

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Regia di Silvio Soldini

Teo (Adriano Giannini) è un uomo in fuga. Dal suo passato, dalla famiglia di origine, dai letti delle donne con cui passa la notte e da cui scivola fuori alle prime luci del giorno: dalle responsabilità. Il lavoro è l’unica cosa che veramente ama, fa il “creativo” per un’agenzia pubblicitaria e non stacca mai, tablet e cellulari lo tengono in perenne e compulsiva connessione con il mondo. Emma (Valeria Golino) ha perso la vista a sedici anni, ma non ha lasciato che la sua vita precipitasse nel buio. O meglio, l’ha riacchiappata al volo, ha fatto a pugni con il suo handicap e l’ha accettato con la consapevolezza che ogni giorno è una battaglia. Fa l’osteopata e gira per la città col suo bastone bianco, autonoma e decisa. Si è da poco separata dal marito e Teo, brillante e scanzonato, sembra la persona giusta con cui concedersi una distrazione. Per Teo invece, tutto nasce per gioco e per scommessa, Emma è diversa da tutte le donne incontrate finora, ed è attratto e impaurito dal suo mondo. Una ventata di leggerezza li sorprende, ma quel galleggiare in allegria bruscamente finisce. Ognuno torna alla propria vita, ma niente sarà più come prima.

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Raccontare il coraggio di vivere

Prodotta da Lionello Cerri y RAI Cinema, l’ultima fatica di Silvio Soldini non tradisce il tocco poetico ed intimista del regista. Qui la storia d’amore, scritta assieme a Davide Lantieri y Doriana Leondeff, diventa infatti pretesto per alleggerire l’analisi di qualcosa di molto più complesso e di difficile da raccontare, vale a dire la diversità. La fatica di vivere, ogni giorno, di chi non ha le abilità di chi invece le dà per scontate e che in ogni momento riscopre, inventa e costruisce, con molta più consapevolezza della nostra, il suo stare al mondo. Una Valeria Golino in grandissima forma recita ad alto livello un’Emma che appare più vera del vero e che impressiona, per il suo realismo, per il suo sguardo perso, e per la rotondità e lo spessore del suo personaggio. Un vicenda lineare e semplice, inverosimilmente precipitosa e con quella rotta leggera e positiva che tanto piace a Soldini, ma che sa raccontare, tra l’ottima performance degli attori e le immagini curate e ricercatesoprattutto a livello coloristico – de Matteo Cocco, tutto il dramma, ma anche la gioia di vivere, di personaggi apparentemente di contorno, come l’amica veneta di Emma e la sua alunna cieca, che invece a tratti leggeri dipingono una realtà che si è scelto di raccontare così com’è: brutta e bella allo stesso tempo, come le cose, come la vita. Un film insomma piacevole e per nulla grave, ma che non tradisce minimamente il messaggio che vuole trasmettere e che intrattenendo, soprattutto per chi ama le storie d’amore a lieto fine, racconta con eleganza e tatto la possibilità di trovare la propria strada, nella vita, qualunque cosa accada, con forza e determinazione, ed imparando ad amare ciò che si ha.

Vengono in mente film come Le chiavi di casa, de Gianni Amelio, la Dietro la maschera (Mask), diretto da Peter Bogdanovich, ma non è la tragedia in questo caso a prendere il sopravvento, bensì la voglia di vivere.

Un film importante, ma non pesante. Comunque necessario. Presentato alla 74° Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, fuori concorso.